에반게리온 (시리즈)

안노 히데아키는 에반게리온 시리즈의 창작자이자 총괄 감독, 각본, 스토리보드 작가를 맡았다. 그는 신세기 에반게리온 TV 시리즈를 통해 기존 메카 애니메이션의 틀을 깨고, 주인공들의 심리적 갈등과 사회적 소외를 깊이 있게 그려내는 독특한 서사 방식을 선보였다. 그의 작업은 단순한 엔터테인먼트를 넘어 인간의 내면과 존재의 의미를 탐구하는 철학적 성찰을 담고 있다.

안노 히데아키는 시리즈의 기획 단계부터 완결에 이르기까지 전 과정에 깊이 관여하며 작품의 방향성을 확고히 했다. 그는 각본과 스토리보드 작성에 직접 참여하여 캐릭터들의 복잡한 심리 상태와 극적인 갈등을 세밀하게 구성했다. 특히 후반부 에피소드에서는 제작 일정과 예산의 제약 속에서도 실험적인 연출과 추상적인 영상 언어를 적극 도입하여 큰 화제를 불러일으켰다.

그의 이러한 창작 철학과 도전적인 연출은 애니메이션 업계에 지속적인 영향을 미쳤다. 에반게리온 이후 안노 히데아키는 에반게리온: 서를 비롯한 극장판 시리즈와 에반게리온 신극장판 시리즈를 통해 동일한 세계관을 지속적으로 확장하고 재해석해 왔다. 이를 통해 그는 한 작품을 다양한 미디어와 형식으로 발전시키는 독자적인 창작 모델을 제시했다.

안노 히데아키의 작업은 가이낙스 스튜디오와의 협력을 바탕으로 이루어졌으며, 그의 독창적인 비전은 사다모토 요시유키, 사기스 신지, 시로 사기스 등 주요 제작진의 역량과 결합되어 에반게리온 시리즈의 독보적인 예술적 성과를 이루는 데 기여했다.

사다모토 요시유키는 신세기 에반게리온을 비롯한 에반게리온 시리즈의 캐릭터 디자인을 담당한 일러스트레이터이자 애니메이터이다. 그의 디자인은 시리즈의 시각적 정체성을 형성하는 데 결정적인 역할을 했다. 특히 주인공 이카리 신지를 비롯해 아야나미 레이, 소류 아스카 랑그레이 등 주요 인물들의 독특한 외모와 복장, 세밀한 표정 변화는 작품의 심리적 깊이를 전달하는 핵심 수단이 되었다.

그의 디자인 스타일은 세밀한 선과 절제된 색감, 그리고 등장인물들의 내면 상태를 반영하는 미묘한 표정 묘사가 특징이다. 이는 단순한 미소년·미소녀 캐릭터를 넘어서서, 트라우마와 고립감, 인간 관계의 어려움을 겪는 인물들을 시각적으로 설득력 있게 표현하는 데 기여했다. 사다모토의 원화는 애니메이션 제작의 기초가 되었을 뿐만 아니라, 이후 제작된 에반게리온: 서와 에반게리온 신극장판 시리즈 등 모든 미디어 믹스 작품의 캐릭터 디자인에 지속적인 기준을 제공했다.

사다모토 요시유키는 캐릭터 디자인 외에도 시리즈의 콘티나 작화 감독으로도 참여하며 전반적인 작품의 완성도에 기여했다. 그의 참여는 안노 히데아키 감독의 어두운 서사와 심리적 주제를 시각적으로 구현하는 데 필수적이었다. 결과적으로, 사다모토가 창조한 캐릭터들은 1990년대 애니메이션을 대표하는 아이콘이 되었으며, 이후 수많은 창작자들과 팬덤 문화에 지대한 영향을 미쳤다.

사기스 신지는 에반게리온 시리즈의 메카닉 디자인을 담당한 디자이너다. 그는 가이낙스 소속의 스태프로, 신세기 에반게리온의 주역 메카닉인 에반게리온 초호기, 2호기, 0호기 등의 디자인을 창조했다. 그의 디자인은 기존의 정형화된 로봇 애니메이션과는 차별화된 유기적이고 생체 같은 느낌을 강조했으며, 특히 근육과 골격을 연상시키는 디테일과 날카로운 각진 실루엣이 특징이다.

사기스 신지의 디자인 철학은 단순한 병기가 아닌, 살아 있는 존재로서의 에반게리온을 표현하는 데 있었다. 이는 작품 내에서 에반게리온이 사도와 같은 생명체라는 설정과 맞물려 깊은 임팩트를 남겼다. 그의 디자인은 안노 히데아키 감독이 구상한 작품의 어두운 분위기와 주인공들의 심리적 고뇌를 시각적으로 잘 보여주는 매체가 되었다.

에반게리온의 디자인은 이후 애니메이션과 게임 등 여러 미디어 믹스에서 메카닉 디자인의 새로운 장을 열었다는 평가를 받는다. 특히 생체 메카닉이라는 컨셉과 강렬한 색상 사용은 수많은 후속 작품과 2차 창작에 지대한 영향을 미쳤다. 사기스 신지는 이 작품 이후에도 가이낙스의 여러 프로젝트에서 메카닉 및 프로덕션 디자이너로 활약하며 독보적인 위치를 확고히 했다.

시로 사기스는 《신세기 에반게리온》 TV 시리즈와 구극장판의 음악을 담당한 작곡가이다. 그의 음악은 시리즈의 정서적 깊이와 극적인 긴장감을 형성하는 데 결정적인 역할을 했다. 특히 주제가 〈잔혹한 천사의 테제〉는 시리즈를 상징하는 아이콘이 되었으며, 다양한 삽입곡과 배경음악은 등장인물들의 복잡한 내면 심리와 세계관을 효과적으로 부각시켰다.

그의 작곡 스타일은 클래식, 재즈, 실험적인 전자 음악 등 다양한 장르를 융합한 특징을 보인다. 《에반게리온》의 음악은 단순한 배경음악을 넘어 서사 구조의 일부로 기능하며, 특히 중요한 극적 순간에서 강렬한 임팩트를 선사한다. 이러한 음악적 접근은 이후 수많은 애니메이션과 미디어 작품의 사운드트랙 제작에 지대한 영향을 미쳤다.

시로 사기스는 《에반게리온》 이후에도 《.hack》 시리즈, 《블리치》 등 다양한 애니메이션과 게임의 음악을 작업하며 활발한 활동을 이어갔다. 그의 《에반게리온》을 위한 작업은 애니메이션 음악의 새로운 지평을 열었다는 평가를 받으며, 시리즈의 지속적인 문화적 영향력과 팬덤 형성에 기여한 핵심 요소 중 하나로 꼽힌다.

《신세기 에반게리온》은 가이낙스가 자체 기획, 제작한 오리지널 애니메이션 시리즈이다. 가이낙스는 당시 《왕립우주군》과 《톱을 노려라!》 등의 작품을 통해 독창적인 메카닉 디자인과 강렬한 연출로 주목받던 신생 스튜디오였으며, 에반게리온은 그 첫 번째 오리지널 TV 시리즈로서 회사의 운명을 건 대형 프로젝트였다.

기획은 감독 안노 히데아키가 중심이 되어 진행되었다. 그는 기존 거대로봇물의 클리셰에 회의를 느끼고, 주인공의 심리와 성장에 초점을 맞춘 새로운 형태의 작품을 구상했다. 이는 단순한 액션 SF를 넘어서 등장인물들의 내면 갈등과 정신분석적 요소를 깊이 있게 다루는 사이코드라마적 성격을 띠게 하는 토대가 되었다.

제작은 방송사 TV 도쿄와의 협력을 통해 이루어졌으며, 1995년 10월 첫 방송을 목표로 준비되었다. 그러나 제작 과정 내내 예산과 일정이 매우 빡빡했으며, 이는 후반부 에피소드의 연출과 결말 구성에 직접적인 영향을 미쳤다. 이러한 어려운 제작 환경 속에서도 가이낙스는 작품의 완성도를 높이기 위해 독자적인 애니메이션 기법을 도입하고 실험적인 연출을 시도했다.

이 프로젝트는 가이낙스의 정체성을 확립하는 결정적 계기가 되었으며, 이후 《에반게리온: 서》와 《에반게리온 신극장판》 시리즈를 비롯한 다양한 미디어 믹스로 이어지는 대규모 프랜차이즈의 시초가 되었다.

안노 히데아키는 신세기 에반게리온을 통해 기존의 거대로봇물이나 소년 만화의 클리셰를 의도적으로 뒤집고자 했다. 그는 주인공들이 위기에 처할 때마다 단순히 힘을 내어 승리하는 전형적인 서사를 거부하며, 오히려 주인공 이카리 신지를 포함한 등장인물들이 심리적 고통과 트라우마, 자아정체성의 혼란에 깊이 빠져드는 모습을 집요하게 그려냈다. 이는 단순한 오락 작품을 넘어 인물의 내면을 탐구하는 사이코드라마적 성격을 부여하는 결과를 낳았다.

그의 창작 의도에는 당시 오타쿠 문화에 대한 강한 비판적 시선도 담겨 있었다. 안노는 폐쇄적이고 현실 도피적인 오타쿠 문화를 문제시하며, 작품을 통해 등장인물과 관객 모두가 '벽'을 넘어 타인과 진정으로 소통하고 현실 세계와 화해해야 함을 끊임없이 질문했다. 이러한 메시지는 난해한 종교적 상징과 철학적 언급을 통해 은유적으로 표현되기도 했다.

작품 후반부, 특히 TV 시리즈 최종화와 극장판 에반게리온: 서에서 실험적으로 변모한 서사와 영상 기법은 이러한 의도의 극단적 발현이었다. 안노는 완성된 스토리나 해피엔딩을 제공하기보다, 관객에게 불편함을 주고 스스로 의미를 찾도록 유도함으로써 수동적인 소비를 거부하고 적극적인 사고와 해석을 요구했다. 이는 당시 애니메이션 팬덤에 큰 충격을 주었으며, 에반게리온을 단순한 애니메이션을 넘어 하나의 사회문화적 현상으로 자리매김하게 하는 계기가 되었다.

《신세기 에반게리온》의 제작은 당시 애니메이션 업계의 일반적인 환경과는 다른 어려움 속에서 진행되었다. 제작사 가이낙스는 창립 초기였고, 이전에 제작한 《왕립우주군》의 적자로 인해 재정적 부담이 컸다. 이 때문에 《에반게리온》의 제작 예산은 다른 주요 TV 애니메이션에 비해 넉넉하지 않았으며, 특히 후반부로 갈수록 예산과 일정이 촉박해지는 상황이 발생했다.

이러한 제약은 작품의 표현 방식에 직접적인 영향을 미쳤다. 예산 절감을 위해 정지 화면이나 반복된 컷의 사용이 늘어났고, 캐릭터의 심리 묘사나 대화 장면에 집중하는 서사 구조가 두드러졌다. 특히 최종화는 극단적으로 실험적인 연출로 제작되었는데, 이는 순수한 예술적 선택이기도 했지만, 동시에 주어진 예산과 시간 내에 시리즈를 마무리해야 했던 현실적인 제작 환경의 결과이기도 했다.

하지만 이러한 제약은 오히려 작품의 독특한 정체성을 형성하는 계기가 되었다. 제작진은 한정된 자원을 창의적으로 활용하여, 정교한 메카닉 디자인과 복잡한 심리 묘사, 그리고 다양한 종교 및 철학적 상징을 담아내는 데 집중할 수 있었다. 《에반게리온》은 높은 제작 비용이 아닌, 강력한 스토리텔링과 독창적인 연출로 관객에게 깊은 인상을 남긴 사례가 되었다.

이러한 TV 시리즈의 제작 경험은 이후 《에반게리온: 서》와 《에반게리온 신극장판》 시리즈와 같은 극장판 제작에도 영향을 미쳤다. 신극장판 시리즈는 더 넉넉한 예산과 최신 애니메이션 기법을 바탕으로 TV 시리즈의 세계관을 재해석하고 확장하면서, 《에반게리온》이라는 프랜차이즈의 지속적인 발전을 이끌었다.

TV 시리즈 종영 이후에도 에반게리온 세계관은 다양한 형태로 확장되어 왔다. 가장 주목할 만한 것은 안노 히데아키가 감독한 에반게리온 신극장판 시리즈이다. 이 작품들은 TV 시리즈의 세계관을 재구성한 리메이크이자 속편의 성격을 띠며, 새로운 에바 기체와 등장인물, 전혀 다른 결말을 제시했다. 신극장판은 총 네 편으로 구성되어 있으며, 최종작을 통해 시리즈 전체에 대한 새로운 해석을 완성했다.

이 외에도 만화 미디어 믹스가 활발히 이루어졌다. 사다모토 요시유키가 작화를 담당한 만화판은 TV 애니메이션과 동일한 기본 줄거리를 따르면서도 세부적인 서사와 캐릭터 심리 묘사에 차이를 보여 팬들에게 또 다른 즐거움을 주었다. 또한 다양한 게임이 출시되어 팬들이 직접 에반게리온을 조종하거나 시리즈의 세계를 체험할 수 있는 기회를 제공했다.

시리즈의 영향력은 2차 창작 문화에도 지대한 영향을 미쳤다. 복잡한 심리 묘사와 개방적인 결말은 수많은 팬들의 해석과 논의를 촉발시켰으며, 이는 인터넷 커뮤니티를 중심으로 한 활발한 팬덤 활동으로 이어졌다. 이러한 현상은 애니메이션 작품이 단순한 시청을 넘어 문화적 현상으로 자리잡는 데 기여한 대표적인 사례가 되었다.

가이낙스와 안노 히데아키는 오랜 기간 동안 새로운 미디어 믹스와 상품화를 지속해 왔다. 이를 통해 에반게리온은 하나의 애니메이션 시리즈를 넘어 지속적으로 확장되는 미디어 프랜차이즈로서의 위상을 공고히 했다. 시리즈의 끝없는 재해석과 확장은 작품 자체의 주요한 특징이 되었다.

에반게리온 시리즈의 서사 구조는 전통적인 거대로봇 애니메이션의 틀을 빌려 시작하지만, 점차 내면의 심리적 갈등과 철학적 질문으로 초점을 이동시킨다. 초반부는 사도라는 미지의 적과의 전투를 중심으로 한 전개를 보이지만, 중반부터는 주인공 이카리 신지를 비롯한 파일럿들의 심리 상태와 트라우마, 그리고 인간 관계의 붕괴가 서사의 핵심으로 부각된다. 이러한 구조적 전환은 단순한 액션 SF를 넘어서는 사이코드라마적 성격을 시리즈에 부여했다.

작품은 등장인물들의 내면 심리를 세밀하게 묘사하는 데 주력한다. 신지의 자기혐오와 도피 욕구, 아야나미 레이의 정체성 혼란과 소외감, 소류 아스카 랑그레이의 자존감과 외로움은 복잡한 서사 장치와 대사를 통해 표현된다. 이들의 심리적 고통은 단순한 캐릭터 설정이 아니라, 인류보완계획이라는 거대한 서사와 직결되는 핵심 동력으로 작용한다.

서사의 클라이맥스에 가까워질수록 외부의 적과의 물리적 대결보다 인물들의 내적 모노로그와 추상적인 이미지의 비중이 급격히 증가한다. 특히 TV 시리즈 최종화와 극장판 《에반게리온: 서》는 기존의 서사적 해결을 거부하고 주관적인 심리적 해석의 영역으로 관객을 초대하며, 당시 애니메이션 관습을 깨는 실험적 결말을 선사했다. 이는 작품이 궁극적으로 추구한 것이 '로봇이 괴수를 물리치는 이야기'가 아니라, '소통 불능과 고립에 시달리는 현대인의 내면을 탐구하는 것'이었음을 보여준다.

이러한 서사 구조와 심리 묘사는 이후 일본 애니메이션 및 만화의 내러티브에 지대한 영향을 미쳤다. 복잡한 심리적 갈등을 가진 안티 히어로적 주인공과 철학적 질문을 내포한 밀도 높은 서사는 많은 후속 작품들의 롤 모델이 되었다.

에반게리온 시리즈는 서사 전반에 걸쳐 다양한 종교적, 철학적 상징과 개념을 적극적으로 차용하고 변용하여 작품의 심오한 주제 의식을 강화한다. 특히 기독교와 유대교의 상징물이 두드러지게 등장하는데, 이는 작품의 세계관과 미학을 구성하는 중요한 요소로 기능한다. 작중 등장하는 조직 네르프의 로고는 무화과 나뢰이며, 적대 존재인 사도의 명칭과 에반게리온이라는 병기명 자체가 성경에 등장하는 천사들을 연상시킨다. 또한 인류보완계획의 핵심이 되는 롱기누스의 창과 릴리스, 아담 등은 작품의 신화적 배경을 구축하는 토대가 된다.

이러한 종교적 모티프들은 단순한 장식이나 미학적 요소를 넘어, 작품의 핵심 주제인 고립, 소통, 그리고 인간 존재의 본질에 대한 탐구와 깊이 연관되어 있다. 예를 들어, 최종화에서 묘사되는 인류보완계획은 개별적인 자아의 경계가 해체되어 하나의 존재로 합쳐지는 과정을 그리는데, 이는 신비주의 철학이나 집단 무의식과 같은 개념과도 맞닿아 있다. 등장인물들의 심리적 갈등과 트라우마는 실존주의적 질문과 결부되어, 타인과의 관계 속에서 '자기'를 어떻게 정의할 것인가 하는 문제를 제기한다.

시리즈가 활용하는 상징들은 종종 원래의 종교적 교리나 맥락과는 분리되어 재해석되며, 이는 작품만의 독자적인 신화 체계를 구축하는 결과를 낳았다. 안노 히데아키 감독은 이러한 요소들이 서양 관객에게는 이국적으로, 일본 국내 관객에게는 낯설게 느껴져 작품에 대한 신비감과 심도 있는 해석의 공간을 제공하려는 의도로 사용했다고 밝힌 바 있다. 결과적으로, 에반게리온에 등장하는 다양한 상징들은 관객으로 하여금 작품을 단순한 메카 액션물이 아닌, 인간 내면의 심연과 사회적 관계에 대한 알레고리로 읽어낼 수 있는 중요한 열쇠가 되었다.

에반게리온 시리즈는 1990년대 애니메이션 제작 기법에 혁신적인 영향을 미쳤다. 당시 가이낙스는 제작 예산이 제한적이었음에도 불구하고, 정적인 화면과 독특한 연출로 심리적 긴장감과 분위기를 극대화하는 방식을 창조적으로 구사했다. 특히 장시간 고정된 스틸컷이나 반복되는 구도, 미니멀한 작화를 의도적으로 활용하여 캐릭터의 내면 심리와 존재론적 불안을 표현함으로써, 애니메이션이 단순한 동화가 아닌 깊은 정서적 공감을 전달할 수 있는 매체임을 증명했다.

시리즈는 다양한 실험적 기법을 도입했다. 모노로그와 빠른 컷 전환, 추상적인 비주얼과 타이포그래피를 결합한 오프닝 시퀀스, 그리고 실사 영상이나 정지 화면을 편집한 엔딩 등은 기존 TV 애니메이션의 관행을 깨는 시도였다. 또한, 에반게리온의 전투 장면에서는 CGI와 셀 애니메이션을 결합하여 메카닉의 움직임과 위압감을 효과적으로 표현했으며, 이는 후속 로봇 애니메이션의 제작 방식에 지대한 영향을 주었다.

이러한 기법적 혁신은 단순한 기술적 과시가 아니라, 안노 히데아키 감독의 서사적 의도와 철학에 깊이 연관되어 있었다. 예산 부족이라는 제약은 오히려 연출의 집중과 상징성 강조로 이어져, 시청자의 상상력을 자극하고 작품 세계에 몰입하도록 유도하는 독특한 미학을 탄생시켰다. 결과적으로 에반게리온은 애니메이션의 표현 가능성을 확장하고, 이후 수많은 창작자들에게 영감을 주는 시각적 언어의 새로운 기준을 제시한 작품으로 평가받는다.

《에반게리온》 시리즈는 방영 이후 일본 애니메이션 팬덤 문화에 지대한 영향을 미쳤으며, 특히 2차 창작 활동의 활성화에 크게 기여했다. 작품이 제시한 복잡한 심리 묘사와 열린 결말, 다양한 상징들은 팬들 사이에서 끝없는 해석과 토론을 낳았고, 이는 인터넷 초기 커뮤니티를 중심으로 한 활발한 팬 활동으로 이어졌다. 당시 등장한 '오타쿠' 문화와 맞물려, 작품에 대한 심층적 분석과 캐릭터에 대한 강한 애정을 바탕으로 한 팬덤이 형성되었다.

이러한 팬들의 적극적 참여는 다양한 2차 창작물을 양산하는 계기가 되었다. 팬픽션, 팬아트, MAD 영상 등이 대량으로 제작되었으며, 특히 주인공들의 대인관계를 재해석한 동인지와 소설이 큰 인기를 끌었다. 시리즈의 주요 캐릭터인 아야나미 레이, 아스카 랑그레이, 이카리 신지는 수많은 2차 창작의 중심 소재가 되었고, 이는 오늘날까지 지속되는 강력한 캐릭터 상품화의 기반을 마련했다.

《에반게리온》의 영향은 창작자들의 작품 세계에도 깊이 스며들었다. 이후 등장한 많은 SF 애니메이션과 메카물, 사이코드라마 장르 작품들이 《에반게리온》에서 시도된 내면적 갈등의 서사 구조나 상징적 표현 방식을 참조하거나 오마주하는 경우가 빈번해졌다. 이는 단순한 모방을 넘어, 애니메이션이 다룰 수 있는 주제의 폭과 심도를 확장하는 데 기여한 것으로 평가받는다.

시리즈의 지속적인 인기는 공식적인 미디어 믹스 전략과도 맞물려 있다. TV 애니메이션 종영 후 출시된 극장판 애니메이션과 리빌드 시리즈, 다양한 게임화는 팬덤을 유지하고 새롭게 확장하는 데 중요한 역할을 했다. 결과적으로 《에반게리온》은 하나의 성공적인 콘텐츠를 넘어, 팬 참여형 문화와 산업적 확장이 공존하는 현대 애니메이션 프랜차이즈의 선구적 모델을 제시했다고 볼 수 있다.

신세기 에반게리온은 1995년 10월 4일부터 1996년 3월 27일까지 TV 도쿄 계열에서 방영된 총 26화의 TV 애니메이션이다. 이 작품은 가이낙스가 제작하고 안노 히데아키가 감독을 맡았으며, SF와 메카 액션의 외피를 쓰고 있으나, 주인공들의 심리적 갈등과 트라우마를 깊이 있게 파고드는 사이코드라마적 성격이 강하다. 방영 당시 애니메이션 팬덤에 큰 충격을 주었으며, 이후 일본 애니메이션 산업과 오타쿠 문화 전반에 지대한 영향을 미쳤다.

이야기는 서기 2015년, 미지의 적 사도의 공격으로 인류가 멸망 위기에 처한 도시 도쿄-3를 배경으로 한다. 14세의 소년 이카리 신지는 아버지 이카리 겐도의 명령으로 인류의 최종병기인 거대 로봇 에반게리온의 파일럿이 되어 싸워야 하는 운명에 처한다. 그는 같은 나이의 소녀 아야나미 레이와 소류 아스카 랑그레이와 함께 사도와 전투를 벌이지만, 외부의 적보다도 내면의 고독, 자기혐오, 타인과의 관계 형성 실패라는 정신적 고통에 더 깊이 시달리게 된다.

작품의 후반부, 특히 24화 이후로는 전통적인 서사 구조에서 벗어나 실험적인 연출이 두드러진다. 등장인물들의 내면 독백과 추상적인 이미지가 반복되며, 결말인 25화와 26화는 주인공 신지의 정신 세계를 탐구하는 데 집중하는 등 파격적인 형태를 보였다. 이로 인해 방영 당시 시청자들 사이에서 논란과 열띤 토론을 불러일으켰다.

이러한 결말에 대한 논의와 더 많은 제작비를 확보하기 위해, TV 시리즈의 엔딩을 재해석하고 확장한 두 편의 극장판, 『에반게리온: 서』와 『에반게리온: 엔드 오브 에반게리온』이 제작되어 개봉되었다. TV 시리즈는 이후 다양한 미디어 믹스와 리메이크 작품의 원점이 되었다.

1997년에 개봉된 에반게리온: 서는 신세기 에반게리온 TV 시리즈의 결말을 재구성한 두 편의 극장판 중 첫 번째 작품이다. TV판 25화와 26화에 해당하는 내용을 대체하며, 주로 이카리 신지의 내면 심리와 자아 성찰을 다룬 TV판 최종화와는 달리, 외부 사건인 제레와 네르프의 최종 결전을 중심으로 한 서사를 보여준다. 이 작품은 TV 시리즈의 미완의 결말에 대한 팬들의 요구와 제작사의 상업적 고려가 맞물려 기획되었다.

에반게리온: 서의 서사는 제3신동경시를 무대로, 제레가 실행한 인류보완계획을 저지하기 위한 네르프와 에반게리온 파일럿들의 마지막 전투를 그린다. 에바 초호기의 각성과 제9사도의 공격, 에바 2호기의 특공 등 TV판에서 생략되었던 격렬한 전투 장면들이 확장되어 묘사된다. 특히 아야나미 레이와 소류 아스카 랑그레이의 캐릭터성과 운명이 TV판과는 상이하게 전개되는 점이 특징이다.

이 극장판은 안노 히데아키 감독이 TV 시리즈 제작 당시 구상했으나 예산과 일정 문제로 구현하지 못한 설정과 장면들을 포함하며, 보다 직설적이고 극적인 결말을 지향한다. 음악은 시로 사기스가 담당했고, 사다모토 요시유키의 캐릭터 디자인과 사기스 신지의 메카닉 디자인이 유지되었다. 당시 애니메이션 기술의 한계를 넘어선 고퀄리티의 작화와 연출로 호평을 받았다.

에반게리온: 서는 그 직후 개봉된 후속편 에반게리온: 진과 함께 '구극장판'으로 불리며, 시리즈의 복잡한 메타픽션적 구조를 완성하는 한 축을 담당한다. 이 작품은 원작의 결말에 대한 하나의 해석을 제공하면서도, 동시에 더욱 난해하고 충격적인 진정한 결말을 예고하며, 팬들과 평론가들 사이에서 지속적인 논의와 해석의 대상이 되고 있다.

에반게리온 신극장판 시리즈는 안노 히데아키가 총감독을 맡아 제작한 네 편의 극장판 애니메이션 시리즈이다. 이 시리즈는 신세기 에반게리온 TV 시리즈와 에반게리온: 서를 기반으로 하되, 스토리와 설정을 재구성하고 확장한 리메이크 겸 속편의 성격을 지닌다. 제작사는 스튜디오 카라와 카라가 담당했다.

시리즈는 2007년 '에반게리온: 서'로 시작하여, 2009년 '에반게리온: 파', 2012년 '에반게리온: 큐'가 개봉되었다. 마지막 편인 '에반게리온 신극장판: 파'는 2021년에 공개되며 14년에 걸친 시리즈를 마무리지었다. 신극장판은 초반에는 TV 시리즈의 스토리를 재편집하는 듯하지만, 점차 새로운 캐릭터와 사도가 등장하며 전혀 다른 결말로 향하는 독자적인 서사를 구축한다.

작품은 고해상도 CGI와 디지털 애니메이션 기법을 적극 도입하여, TV 시리즈에서 선보인 혁신적인 연출을 새로운 시대의 기술력으로 재해석했다. 특히 전투 장면의 스케일과 시각적 완성도가 크게 향상되었다. 음악은 시로 사기스가 담당하여 클래식한 테마를 유지하면서도 새로운 곡들을 추가했다.

신극장판 시리즈는 기존 팬들에게는 낯설고 논란적인 결말을 제시하면서도, 에반게리온 세계관에 대한 새로운 해석과 철학적 질문을 던졌다. 이를 통해 프랜차이즈는 단순한 리메이크를 넘어, 창작자 안노 히데아키 자신과 작품, 그리고 관객과의 관계를 다시 한번 성찰하는 메타적 성격을 강화하게 되었다. 시리즈의 최종작 개봉은 전 세계적인 문화적 사건으로 주목받았다.